59 Semana Internacional de Cine de Valladolid (SEMINCI)
PALMARÉS
SECCIÓN OFICIAL
Espiga de Oro Mejor Largometraje: Mita Tova (La fiesta de despedida), de Sharon Maymon y Tal Granit
Espiga de Plata: Kreuzweg (Camino de la Cruz), de Dietrich Brüggemann
Premio al Mejor Director: Volker Schlöndorff por Diplomatie (Diplomacia)
Premio ‘Pilar Miró’ al Mejor Nuevo director: Damien Chazelle por Whiplash
Premio ‘Miguel Delibes’ al Mejor Guión: Kuzu (El corderito), de Kutluğ Ataman
Mejor Dirección de Fotografía: Kuzu (El corderito), de Kutluğ Ataman
Premio a la Mejor Actriz : (ex aequo) Levana Finkelshtein y Aliza Rozen por Mita Tova (La fiesta de despedida)
Premio Mejor Actor: Niels Arestrup por Diplomatie (Diplomacia)
Premio Fipresci de la Crítica Cinematográfica: Kreuzweg (Camino de la Cruz), de Dietrich Brüggemann
Premio del Jurado Joven: Kreuzweg (Camino de la Cruz), de Dietrich Brüggemann
Espiga de Oro al Mejor cortometraje: Symphony nº 42, de Réka Bucsi
Espiga de Plata: Bad Hunter (Mal cazador), de Sahim Omar Kalifa
‘EFA Short Film Nominee Valladolid 2014’: El corredor, de José Luis Montesinos
PUNTO DE ENCUENTRO
Mejor Largometraje: Utóélet (El más allá), deVirág Zomborácz
Mención Especial: Gözümün Nûru (Eye Am), de Hakki Kurtulus y Melik Saracoglu
Mejor Corto: Bir Fincan Türk kahvesi (A Cup of Turkish Coffee), de Nazli Eda Noyan y Daghan Celayir
TIEMPO DE HISTORIA
Primer Premio: Sacromonte, los sabios de la tribu, de Chus Gutiérrez
Segundo Premio: Once My Mother (Érase una vez mi madre), de Sophia Turkiewicz
Mención Honorífica: Planeta Asperger, de María Barroso y Ricardo de Gracia
CASTILLA Y LEON EN CORTO
Primer Premio: Safari, de Gerardo Herrero.
Mención Especial: Cristales, de Juan Ferro
PREMIOS DEL PÚBLICO
Sección Oficial: What We Did On Our Holiday (Nuestro último verano en Escocia), de Guy Jenkin y Andy Hamilton
Punto de Encuentro:
En el último trago, de Jack Zagha Kababie
CRITICAS
'GUI LAI (Regreso a Casa)' de Zhang Yimou (China)
Intérpretes: Chen Daoming, Gong Li, Zhang Huiwen, Guo Tao, Liu Peiqi, Zu Feng, Yan Ni, Zhang Jia-yi.
(Sección Oficial)
Sinopsis: Lu Yanshi y Feng Wanyu son una pareja muy unida que sufre una separación forzada cuando Lu es detenido y enviado a un campo de trabajo por delitos políticos coincidiendo con el accidente que sufre su esposa. Tras ser liberado en las postrimerías de la Revolución Cultural, Lu regresa a casa y descubre que su mujer sufre amnesia y apenas recuerda nada de su pasado. Incapaz de reconocer a Lu, la mujer continúa esperando con paciencia el regreso de su marido. Solo y convertido en un extraño dentro de aquella familia rota, Lu Yanshi resuelve resucitar el pasado que compartió con su mujer y despertar sus recuerdos.
'Gui Lai' apunta directamente a la Espiga de Oro... al menos estará en nuestro Top del Festival y ya se ha convertido en una de nuestras favoritas. Se trata de una película exquisita, bella, triste y emotiva, que nos recupera la mejor versión de Zhang Yimou, en un melodrama romántico e intimista, con momentos memorables como las secuencias de la estación, la del piano o el propio final. Partiendo con una historia de base bonita, el director chino nos invita a reflexionar sobre la memoria, el olvido y la identidad, a través del relato de la amnesia de una mujer, situándola en un entorno posterior a la Revolución Cultural. Y nos la cuenta con primeros planos de los rostros de sus personajes, con la paciencia y el detalle necesarios, para escudriñar la melancolía y el dolor acumulados en el presente, debido a la felicidad arrebatada por su país en el pasado. Todo ello, con la complicidad del magnífico trío protagonista formado por Chen Daoming, Gong Li y Zhang Huiwen. La cámara de Yimou utiliza el clasicismo narrativo y extrae belleza de cada uno de sus planos, enfatizados por la preciosa banda sonora de Chen Qigang, consiguiendo que la emoción contenida de sus personajes traspase la pantalla y penetre en el espectador. Eso es el cine.
'WHAT WE DID ON OUR HOLIDAY (Nuestro último verano en Escocia)' de Guy Jenkin y Andy Hamilton (Reino Unido)
Intérpretes: Rosamund Pike, David Tennant, Billy Connolly, Celia Imrie, Ben Miller, Emilia Jones,
Annette Crosbie, Amelia Bullmore.
(Sección Oficial)
Sinopsis: Doug y Abi son dos padres normales que tienen tres hijos encantadores aunque muy excéntricos. Cuando el estrés de ser padres pone en peligro su estabilidad mental y su matrimonio, deciden realizar un viaje a Escocia con sus hijos. Allí participarán en una gran reunión familiar y se reencontrarán con Gordie, el increíblemente extravagante padre de Doug. Sin embargo, lo que prometían ser unas vacaciones para la reconciliación pronto se convierte en un campo de minas no exento de situaciones hilarantes en el que rencores familiares, malentendidos y egos maltrechos conforman el orden del día. Cuando los niños precipitan un giro inesperado en los acontecimientos, la familia se ve obligada a aparcar sus diferencias y a colaborar, pues de lo contrario corren el riesgo de perder aquello que más aprecian.
'What we did on our Holiday' es una comedia con sabor british, deliciosa y divertidísima, que teniendo un sello indie será capaz de conectar con todo tipo de público, gracias a un guión brillante e inteligente que supone un bello canto a la vida, con unos diálogos rápidos, precisos y audaces, especialmente en su primera mitad. Ya sabemos que los jurados de los Festivales no gustan de premiar comedias, un género infravalorado por los sesudos críticos, pero es que el guión de este film es uno de los más redondos que hemos visto en todo el Festival. Comedia familiar con reminiscencias de Wes Anderson, pero sin su imaginería visual, no cae en los tópicos y sabe asimilar sin pretenciosidad el drama y la tragedia, siempre dentro de su comicidad, con personajes inolvidables y una buena cantidad de situaciones hilarantes, pero sin llegar a caer en la extravagancia gratuita, reflexionando además sobre temas tan serios como la muerte, el dolor, la separación o la aceptación de los defectos ajenos. La película cuenta con un estupendo reparto donde todos cumplen a la perfección con sus roles, incluso los niños protagonistas no son nada repelentes y tienen algunas réplicas verbales geniales y de lo más creíbles. Un film altamente recomendable que hará pasar un buen rato a todo el que lo vea, con una buena distribución puede convertirse en una de las comedias del año.
'AT LI LAYLA (A su Lado)' de Asaf Korman (Israel)
Intérpretes: Liron Ben-Shlush, Dana Ivgy, Yaakov Daniel, Carmit Messilati-Kaplan, Varda Ben Hur,
Sophia Ostritsky, Liat Goren.
(Sección Punto de Encuentro)
Sinopsis: Chelli está cuidando por sí misma de su hermana, que sufre una discapacidad mental. Cuando los servicios sociales descubren que la deja sola en casa mientras acude a su trabajo, determinan su asistencia obligatoria a un centro de día. El vacío que le deja a Chelli la ausencia de su hermana facilita la aparición de un hombre en su vida. Ese hombre se llama Zohar y abrirá otra grieta en la simbiótica relación de las dos hermanas.
'At li Layla' es un drama israelí que propone una sincera y emotiva aproximación a la discapacidad y la dependencia, realizada con extrema sensibilidad y huyendo de efectismos simplistas. Una mirada sencilla y límpida del tema que se centra en el carrusel de emociones que envuelve a las personas que tienen a su cargo a una persona con discapacidad mental, en las dificultades de convivencia, pero principalmente en las contradicciones que se les plantean ante determinados conflictos. El film consigue ofrecer un retrato que emociona por su realismo palpable y su completa credibilidad, gracias también a la fantástica interpretación de todo el elenco, en especial, las dos hermanas protagonistas, Liron Ben-Shlush y Dana Ivgy, la primera también guionista del film y que basa en sus propias experiencias la historia (según manifestó en el coloquio posterior ella misma tiene una hermana discapacitada) y la segunda poniéndose en la piel de la chica disminuida haciéndote creer que lo es en realidad (la gente lo preguntó en dicho coloquio). Una de esas pequeñas sorpresas de un director con un enorme talento emocional que habrá que seguir en sus próximas obras (además es un montador de prestigio en su país, participando en un proyecto tan radicalmente opuesto como es ‘Big Bad Wolves’ (Aharon Keshales y Navot Papushado, 2013).
'WHIPLASH' de Damien Chazelle (EEUU)
Intérpretes: Miles Teller, J.K. Simmons, Melissa Benoist, Paul Reiser, Austin Stowell, Jayson Blair,
Kavita Patil, Michael D. Cohen.
(Sección Oficial)
Sinopsis: Andrew Neiman es un joven y ambicioso baterista de jazz, absolutamente enfocado en alcanzar la cima dentro del elitista conservatorio de música de la Costa Este en el que recibe su formación. Marcado por el fracaso de la carrera literaria de su padre, Andrew alberga sueños de grandeza, ansía convertirse en uno de los grandes. Terence Fletcher, un instructor bien conocido tanto por su talento como por sus aterradores métodos de enseñanza, dirige el mejor conjunto de jazz del conservatorio. Fletcher descubre a Andrew y el baterista aspirante es seleccionado para formar parte del conjunto musical que dirige, cambiando para siempre la vida del joven. La pasión de Andrew por alcanzar la perfección rápidamente se convierte en obsesión, al tiempo que su despiadado profesor continúa empujándolo hasta el umbral de sus habilidades… y de su salud mental.
'Whiplash' es un efectivo (y efectista) drama que propone un inteligente híbrido entre la superación artística de "Fama" (Alan Parker, 1980), la obsesión autodestructiva de "Cisne Negro" (Darren Aronofsky, 2010) y el combate pugilístico de "Rocky" (John G. Avildsen, 1976), pero utilizando las baquetas de una batería como leit motiv épico del aprendizaje del joven protagonista (un convincente Miles Teller), en su búsqueda de la transcendencia y la genialidad, en el ámbito musical. La película está realizada de forma brillante por Damien Chazelle, con un ritmo frenético y un montaje vigoroso para conseguir que incluso los no iniciados o fanáticos del mundo jazzístico (yo mismo, sin ir más lejos) puedan disfrutarla como si un film de suspense y acción se tratase, cargando de una tensión inaudita cada enfrentamiento a la batería entre los aspirantes para conseguir el favor de su dictatorial profesor, interpretado de forma magistral por el actor J.K. Simmons. Se le puede achacar cierto maniqueísmo en la descripción de sus personajes, llegando en algún caso casi a la caricatura, pero no creo que en ningún momento el director busque ofrecer un retrato realista sino más bien crear un thriller musical que haga palpitar el corazón de los espectadores al ritmo de la música y de sus secuencias llenas de tensión hasta desembocar en un clímax final que tiene un enorme solo de batería como protagonista.
'DEUX JOURS, UNE NUIT (Dos Días, Una Noche)' de Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne (Bélgica-Francia-Italia)
Intérpretes: Marion Cotillard, Fabrizio Rongione, Pili Groyne, Simon Caudry, Catherine Salée,
Baptiste Sornin, Alain Eloy, Myriem Akheddiou.
(Sección Oficial - Inauguración)
Sinopsis: Sandra, con la ayuda de su marido, sólo dispone de un fin de semana para reunirse con sus compañeros de trabajo y convencerles de que renuncien a sus primas para que ella pueda mantener su trabajo.
'Deux Jours, Une Nuit' es un sobrecogedor drama social que partiendo de una idea e historia sencillísimas, obliga al espectador a cuestionarse y replantearse moralmente las situaciones que se plantean aplicando sus propias experiencias, pero sin caer en el error de moralizar ni posicionarse en dichos planteamientos. El film nos muestra casi a tiempo real (consigue que lo parezca), la lucha de una mujer con tendencias depresivas por encontrar la solidaridad y la comprensión de sus compañeros de trabajo en tiempos de crisis, cuando esas palabras obtienen el valor que merecen. Los hermanos Dardenne nos lo muestran todo con una naturalidad aplastante, gracias a una cámara al hombro nerviosa que acompaña al personaje central mientras se debate entre la necesidad y la dignidad. Es entonces cuando emerge la figura de Marion Cotillard y se convierte en la película entera. La actriz francesa transmite por cada uno de sus poros la fragilidad y debilidad de su personaje, traspasando la pantalla en cada uno de sus gestos y miradas, con una interpretación brillante hecha sin alardes ni exhibiciones innecesarias, buscando en la verdad toda su expresividad, lo que emociona y cala hondo. La película muestra un tema de plena actualidad como es la crisis económica y la falta de empleo con la que el espectador se identificará fácilmente, pero termina siendo una excusa para reflexionar en voz baja sobre la condición humana y ética, sin juicios de valores, lo que curiosamente hace que la veamos con mayor implicación.
'MITA TOVA (La Fiesta de Despedida)' de Sharon Maymon y Tal Granit (Alemania-Israel)
Intérpretes: Ze’ev Revach, Levana Finkelshtein, Aliza Rozen, Ilan Dar, Rafi Tavor.
(Sección Oficial)
Sinopsis: Yehezkel, un hombre de 75 años que vive en una residencia de ancianos de Jerusalén, decide cumplir el deseo de su mejor amigo, Max, que se encuentra en estado terminal: morir en paz. Desoyendo las objeciones de su propia esposa Levana, Yehezkel y la mujer de Max, Yana, recurren a la ayuda del doctor Daniel, veterinario, y de Raffi Segal, un policía jubilado, para llevar a cabo su misión. Llegado el momento de la verdad, se dan cuenta de que ninguno de ellos está dispuesto a ‘apretar el gatillo’. Entonces Yehezkel, que ha sido ingeniero e inventor, construye, con el único propósito de ayudar a su amigo, una máquina de ‘autoeutanasia’. Tras el fallecimiento de Max, sin embargo, empiezan a circular rumores acerca del invento y al grupo le llegan más peticiones de ayuda. Entre tanto, Yehezkel se niega a aceptar la evidencia de que la demencia de su mujer se está agravando. Mientras se enfrenta a nuevas solicitudes para emplear la máquina y a la creciente dependencia de Levana, las fronteras empiezan a desdibujarse y los dilemas morales del equipo de colaboradores se tornan insoportables.
'Mita Tova' es una deliciosa y original comedia negra que trata con inteligencia temas tan delicados como la vejez y la eutanasia, desde ya, se postula como una de las claras favoritas para obtener la Espiga de Oro. Y es que su irresistible combinación entre drama y humor, funciona a las mil maravillas, obligando al espectador a pasar de la risa a la emoción contenida dentro de una misma secuencia en más de una ocasión. Un buen guión escrito por los propios directores israelies, sirve como base para que Sharon Maymon y Tal Granit construyan una película de apariencia sencilla, humor negro (pero apto para todos), con capacidad comercial y buen ritmo, personajes entrañables con los que resulta muy fácil empatizar (e interpretados de forma estupenda todos ellos por el veterano reparto), pero sin menoscabar un ápice de espacio a la reflexión moral, poniendo a debate temas tan serios como la necesidad de una muerte digna y la comprensión de los seres queridos en la toma de decisiones que no compartimos. Una comedia llena de sensibilidad para abordar el dolor y la muerte, que con una buena promoción podría convertirse en otro éxito de público como 'Intocable' (Olivier Nakache y Eric Toledano, 2011), ya que ambas comparten su visión de la confrontación de los males de la vida desde una óptica optimista y llena de luz, la que ofrecen los momentos de felicidad que nos llevamos.
'LA TIRISIA' de Jorge Pérez Solano (México)
Intérpretes: Gustavo Sánchez Parra, Adriana Paz, Noé Hernández, Gabriela Cartol, Alfredo Herrera,
Mercedes Hernández, Yael Corazón, Magda Ortiz.
(Sección Oficial)
Sinopsis: Cheba y Ángeles Miguel quedaron embarazadas del mismo hombre, Silvestre. Silvestre fue el amante de Cheba mientras el marido de ésta trabajaba en el extranjero. También es el padrastro de Ángeles. Ahora ha vuelto el marido de Cheba y, por otra parte, la madre de Ángeles no quiere que esta críe al hijo que ha engendrado Silvestre. Las dos mujeres tienen que decidir qué hacer con las criaturas y enfrentarse de paso a sus propios deseos y necesidades. La película presenta la vida de dos mujeres —y de su círculo de amistades— , en una aldea aislada cuyos habitantes viven todos atrapados, víctimas del olvido y de la tirisia: una enfermedad del alma.
'La Tirisia' es un interesante drama rural donde se nos presenta a una serie de personajes varados en la melancolía y la infelicidad, en un entorno visualmente fascinante y desolador, entre cactus y suelos salinos que sirven como metáfora para definir el estado anímico de los personajes, donde ya no hay espacio para cultivar las emociones como tampoco puede labrarse esas tierras. Con una narrativa contemplativa (tal vez en exceso), pero de gran belleza plástica, se desgrana una historia mínima donde más que los hechos importan las sensaciones, consiguiendo empapar al espectador, poco a poco, con esa sensación de aislamiento físico y abandono de una communidad rural pequeña donde ni siquiera los poderes eclesiásticos y gubernamentales parecen querer ya prestar atención (antológica la secuencia del mítin político a lo 'Bienvenido Mr. Marshall' (Luis García Berlanga, 1953). El film peca de un metraje excesivo por culpa de la innecesaria dilatación de algunos planos y secuencias, pero consigue su objetivo en el retrato del paisaje emocional y en la traslación poética de sus imágenes, con un gran trabajo fotográfico de César Gutiérrez Miranda y de sus actores protagonistas, destacando también el tratamiento sonoro propuesto que profundiza aún más en esa atmósfera asfixiante del lugar, una especie de purgatorio en vida. Mientras veía la película, salvando las distancias, me trajo a la memoria una Obra Maestra japonesa titulada 'La Mujer en la Arena' (Hiroshi Teshigahara, 1962), donde se propone también una curiosa relación entre las emociones y un paisaje desértico que lo devora todo, allí dunas de arena.
'SCHIMBARE (El Cambio)' de Álex Sampayo (España)
Intérpretes: Candela Peña, Luis Zahera, Sandra Mokrzycka, Maurycy Lyczkov, Martijn Kuiper, Huichi Chiu, Mariana Achim.
(Sección Punto de Encuentro)
Sinopsis: Luis y Elvira viajan a Rumanía tras contactar con una organización criminal de Europa del Este. Cerca de su destino reciben una llamada que los obliga a cambiar de ruta. Para continuar con el plan deben detenerse en Budapest y efectuar una recogida. Todo parece sencillo hasta que descubren que se trata de una niña de ocho años. A partir de este momento tendrán que tomar la decisión más difícil de sus vidas. Seguir adelante o dejar libre a la pequeña. Decidan lo que decidan, alguien morirá.
'Schimbare' es un angustioso e incómodo drama que se divide en dos partes diferenciadas, una primera más sutil donde se propone un drama familiar a modo de road-movie que regatea la información al espectador para transitar el terreno del suspense y una segunda más física donde se acerca al terror y pone a prueba a base de excesos el límite del espectador. Somos conscientes que la película se llevará palos por doquier (en la urna de las votaciones vimos muchos 1 y 2 sobre 5), pero a nosotros nos ha parecido una propuesta valiente y arriesgada que nos ha sorprendido gratamente, ya que asistimos sin ninguna referencia de la misma (forma ideal de acercarse a ella porque muchos "periodistas" por aquí ya se han encargado de spoilear la trama estúpidamente en sus comentarios). El debutante Álex Sampayo propone un juego moral aterrador coqueteando con el cine de género para lanzar su mensaje, logrando un poderoso ejercicio de tensión dramático tan sólo perjudicado por su tendencia al exceso mal entendido, colocando en la cuerda floja a sus dos actores principales, Luis Zahera (espléndido) y Candela Peña (sobreactuada), ambos bajo la atenta tierna mirada de la niña Sandra Mokrzycka. Un film de bajo presupuesto, rodado en formato de guerrilla, intenso y efectivo, pero también irregular y descontrolado. Pese a sus fallos, nos ha gustado y creemos que podía haber estado en Sección Oficial.
'BLUE LIPS' de Daniela De Carlo, Julieta Lima, Gustavo Lipsztein, Antonello Novellino, Nacho Ruipérez y Nobuo Shima (España-Argentina)
Intérpretes: Dudu Azevedo, Simone Castano, Mariana Cordero, Keona Cross, Avi Rothman, Malena Sánchez, Pedro Bromfman, Clara Botas.
(Sección Punto de Encuentro)
Sinopsis: Seis personas de distintas partes del mundo sufren una muerte de sí mismos. Viajan a Pamplona y se encuentran inmersos en la marea roja de los Sanfermines. La relación con el resto les hace enfrentarse a ellos mismos y superar los conflictos que los están matando en vida. Cineastas de Buenos Aires, Río de Janeiro, Honolulu, Los Ángeles, Roma y Pamplona dirigen seis historias que convergen en San Fermín 2012.
'Blue Lips' parte la original y arriesgada premisa de armar un film con seis directores distintos de seis países distintos que se encargan de grabar cada uno a uno de los seis protagonistas en su país de origen presentando seis historias paralelas que terminan confluyendo en un sólo donde se cruzan todos ellos en Pamplona durante las fiestas de San Fermín. Sin embargo, la ardua tarea de equilibrar los diversos fragmentos y unificar los diferentes estilos narrativos de sus autores, se logra con creces, consiguiendo un producto unificado y coherente como si tras las cámaras sólo hubiera un director. El film se centra en unos personajes en un momento de crisis existencial en sus vidas que acaban retomando su camino al cruzarse con el resto de personajes. No es que la historia sea especialmente novedosa ni sorprendente, tampoco el final parece cerrar de la mejor forma algunas de las tramas abiertas, pero sí mantiene nuestro interés durante toda la proyección, consigue momentos de emoción y belleza, y además el extenso reparto brilla a gran altura en su conjunto. 'Blue Lips' es un proyecto suicida y loco en su concepción y producción (sólo por eso ya merece nuestro apoyo), que con un presupuesto menor de lo habitual (se tiró en parte de crowdfunding) y un equipo técnico, en algunos casos, poco experimentado en el mundo del largo, ofrece unos resultados más que satisfactorios gracias a que se respira en él que está realizado con especial ilusión y cariño, donde el talento y las ganas importan más que los medios económicos.
'KREUZWEG (Camino de la Cruz)' de Dietrich Brüggemann (Alemania-Francia)
Intérpretes: Lea van Acken, Franziska Weisz, Florian Stetter, Hanns Zischler, Lucie Aron, Moritz Knapp,
Klaus Michael Kamp, Birge Schade.
(Sección Oficial)
Sinopsis: María tiene 14 años. Su familia está integrada en una comunidad católica fundamentalista, y aunque la muchacha vive su existencia cotidiana en el mundo de hoy en día, su corazón pertenece a Jesús. Su deseo es seguirle, convertirse en santa e ir al cielo: igual que en las historias de niños santos que tantas veces le han contado. Por eso recorre 14 estaciones, como Jesús camino del Gólgota, y consigue finalmente su objetivo. Ni siquiera Christian, su compañero del colegio, puede impedírselo, aunque si ella viviera en otro mundo, podrían haber sido amigos e incluso novios. Atrás quedan una familia rota que encuentra consuelo en su fe y una pregunta: ¿fueron verdaderamente inevitables todos estos acontecimientos?
'Kreuzweg' es un interesante relato que compara la vida y el sacrificio de una joven adolescente creyente con el vía crucis de Jesucristo, dividiendo formalmente la película en 14 segmentos rodados en plano secuencia, con la cámara casi siempre estática y poco movimiento escénico (la cámara tan sólo realiza un par de movimientos funcionales más para reencuadrar que con motivo narrativo, exceptuando el plano final). La verdad es que la historia que cuenta tiene un fondo muy interesante y recuerda vagamente a la de 'Camino' (Javier Fesser, 2008), pero ese planteamiento estético del director lastra en parte sus virtudes, ya que la mayoría de los 14 planos son demasiado neutros y carecen de suficiente semiótica cinematográfica, poniendo el metraje del film en cuesta arriba. Por suerte, el material de partida y las reflexiones que lleva inherentes, junto a la estupenda actuación de la joven Lea van Acken y algún momento de inspiración aislado en la planificación de alguno de los segmentos (por ejemplo, el de la consulta del médico), convierten la ardua experiencia en algo bastante más gratificante de lo que parece mientras dura la proyección.
'PARKOLÓ (Parking)' de Bence Miklauzic (Hungría)
Intérpretes: Ferenc Lengyel, Tibor Szervét, Kálmán Somody, Lia Pokorny, Zoltán Rajkai,
Simon Miklauzic, Attila Egyed, Kristóf Horváth.
(Sección Oficial)
Sinopsis: En aquel aparcamiento cualquiera puede aparcar donde quiera con excepción de un sitio: el espacio que utiliza el Legionario, el dueño del parking, para enterrar pájaros muertos. Sin embargo, aparecerá un hombre empeñado en aparcar justo en aquel lugar su Ford Mustang, un modelo de 1968. ¡Y a cualquier precio!
'Parkoló' es un pequeño y curioso film húngaro que aborda con efectividad una historia mínima que podría haberse quedado en un cortometraje o mediometraje, pero que con pericia se lleva al largo y logra mantener el interés pese a lo previsible de su desarrollo. Se trata de una comedia dramática abordada como un western, donde el duelo entre el héroe atormentado y el malvado adinerado, no es por unas tierras del lejano oeste sino por una plaza de aparcamiento. La película es divertida y entretiene, tal vez, le falte un punto de locura para tener mayor recorrido, pero se apuntan algunas situaciones delirantes de lo más atractivas con mucho juego (la cafetera que envía mensajes ocultos en código morse, la pantalla donde se proyectan diapositivas al ritmo de una música melancólica, el nido de pájaros asediado por el gato...) y los dos personajes principales son muy completos (lástima que algunos secundarios sobren o les falte un mejor perfilado, como el marido borracho de la chica). Un film modesto y sin demasiadas pretensiones que puede pasar algo desapercibido en la vorágine fílmica que conlleva un Festival de estas características, pero que tiene unos resultados más que satisfactorios.
'RASTRES DE SÀNDAL (Rastros de Sándalo. Dos hermanas, dos culturas)' de Maria Ripoll (España)
Intérpretes: Nandita Das, Aina Clotet, Naby Dakhli, Subodh Maskara, Vaibhavi Hankare, Rosa Novell,
Godeliv Van den Brandt, Gal Soler, Marina Gatell.
(Sección Oficial - Fuera de Concurso)
Sinopsis: A pesar de su fama y fortuna, Mina, una exitosa actriz india que vive en Bombay, no puede olvidar a su hermana pequeña Sita, de quien se vio obligada a separarse después de la muerte de su madre en una aldea. Treinta años más tarde, Mina finalmente se enterará de que Sita está bien y vive en Barcelona. Sin embargo, los padres adoptivos de Sita han borrado todas las huellas de su pasado. Ahora se llama Paula, trabaja como bióloga investigadora y no tiene ningún recuerdo de su pasado indio, ni de Mina. Enfrentada a las impactantes verdades de su pasado, Paula comienza un largo viaje de autodescubrimiento, con la ayuda en el camino de su incipiente romance con Prakash, un guapo inmigrante indio. Una historia de esperanza y amor entre Bombay y Barcelona, en un viaje de ida y vuelta desde la India hasta el Mediterráneo.
'Rastres de Sàndal' es un melodrama con sabor a folletín que funciona gracias a la original estructura de su guión que propone un par de giros dramáticos inesperados que dan un nuevo aire a la historia que se explica y hacen que cambie el punto de vista narrativo. Sin duda, ese riesgo que se toma en el rumbo del relato es lo mejor de la película que finalmente cae en demasiados convencionalismos en sus subtramas románticas, pero propone un interesante debate sobre la adopción y la identidad del individuo según sus orígenes. Tiene una estética que también debe adaptarse a las distintas partes que integran la historia, funcionando especialmente la inicial ambientada en la India, resultando más telefilmera la parte final, pero siempre dentro de un conjunto de suficiente solidez como para entretener y captar la atención del espectador. El film también se beneficia del duelo interpretativo entre las dos actrices protagonistas Nandita Das y Aina Clotet, aunque destacan como secundarias la niña Vaibhavi Hankare y Godeliv Van den Brandt. Un film efectivo, entre el melodrama psicológico y el drama romántico, que sabe empatizar con el público con una historia que busca las luces y elude las sombras.
'PEULLANDASEUI GAE' de Bong Joon Ho (Corea del Sur)
Intérpretes: Lee Sung-jae, Bae Doo-na, Byun Hee-bong, Kim Ho-jung, Kim Roe-ha, Go Su-hui.
(Sección Retrospectiva Bong Joon Ho)
Sinopsis: Un joven sometido a las vejaciones de humanos y animales por igual. Su mujer, que está embarazada, lo trata como a una piltrafa, mientras que sus sueños de convertirse en profesor titular de universidad se han hecho añicos por culpa de un decano con malas intenciones. Para colmo de sus desdichas, uno de los molestos perros que viven en su mismo edificio no para de ladrar ni un segundo. Aquello no puede continuar: el joven resuelve deshacerse para siempre de aquel incordio peludo... Eso, al menos, cree él.
'Peullandaseui Gae' es la curiosa ópera prima del director surcoreano Bong Joon Ho, donde pese a un ritmo irregular y aún alejado de sus siguientes obras cumbres, ya apuntaba maneras en el aspecto visual y en la utilización de su característico humor negro. De hecho, esta primera obra es mucho más divertida que las siguientes, con un punto de surrealismo en su historia, logra los momentos más carcajeantes a través de la crueldad que ejercen algunos personajes hacia los perros (si hiciera esta película ahora, le saltarían al cuello todas las asociaciones defensoras de animales...). Por tanto, políticamente incorrecta, hace desfilar ante la pantalla algunos personajes disfuncionales en su patetismo emocional que logran un curioso collage de la sociedad surcoreana en un entorno de desigualdad social creciente. Buen trabajo del elenco para representar esos seres insatisfechos y desubicados, donde destaca la actriz Bae Doo-na, que volvería a trabajar con el director en 'The Host' (2006). Buen debut, por tanto, de Joon Ho en un film donde aún se respira cierto amateurismo, experimentación y total libertad del autor de la hollywoodiense 'Snowpiercer' (2013).
'VONARSTRAETI (La Vida en una Pecera)' de Baldvin Zophoníasson (Islandia-Suecia-Finlandia-República Checa)
Intérpretes: Hera Hilmarsdóttir, Thorsteinn Bachmann, Thor Kristjansson, Ingvar Thórdarson, Sveinn Ólafur Gunnarsson, Laufey Elíasdóttir, Birgir Örn Steinarsson, Markus Reymann.
(Sección Punto de Encuentro)
Sinopsis: Reikiavik. Después de sufrir una tragedia, Móri, que es escritor, busca el olvido en una borrachera que dura ya 20 años. Eik, una joven madre soltera, ejerce la prostitución por las noches para poder llegar a fin de mes. Sölvi, joven padre y buen esposo, se ve atrapado en el nido de víboras de las instituciones financieras internacionales que operan en Islandia. El destino no tardará en entretejer sus vidas.
'Vonarstraeti' es un correcto drama de historias cruzadas que pese a estar bien realizado, le sobra metraje y le faltan elipsis, para conseguir un resultado más redondo. La película también padece un extraño y, por momentos, errático montaje que enmaraña de forma innecesaria una trama mucho más sencilla donde habitan personajes algo estereotipados (poeta borracho, joven prostituta, ejecutivo ambicioso...), que pese a caer en algunos convencionalismos consigue levantar el vuelo gracias a la capacidad narrativa de su director que saca provecho a algunas situaciones trilladas, envolviéndolas con una atractiva presentación visual y momentos de gran belleza plástica, también ayuda un buen reparto donde destacaríamos a la joven Hera Hilmarsdóttir. La película ha sido escogida por Islandia para representar a su país en la candidatura a los Oscars en la categoría de Mejor Film de Habla No Inglesa.
'MISS JULIE (La señorita Julia)' de Liv Ullmann (Noruega-Reino Unid-Irlanda)
Intérpretes: Jessica Chastain, Colin Farrell, Samantha Morton, Nora McMenamy.
(Sección Oficial)
Sinopsis: La acción tiene lugar en los años 80 del siglo XIX, en una hacienda rural de Irlanda. En el curso de una noche de verano, en un ambiente de diversión desmedida y desinhibición, la señorita Julie y John, el ayuda de cámara de su padre, bailan y beben en un juego de seducción y manipulación mutua. Ella representa la pura arrogancia deseosa de ser denigrada, mientras que él es al mismo tiempo refinado y vulgar. Los dos están unidos por un sentimiento recíproco de atracción y repulsión al mismo tiempo. Su encuentro íntimo, en el que se alternan el coqueteo y la intimidación, la ternura y el salvajismo, desemboca en planes descabellados y la visión de una vida en común… Sin saber muy bien si la mañana traerá la esperanza o la desesperación, Julie y John encuentran la vía de escape en un acto definitivo sublime y horrendo, como en una tragedia griega.
'Miss Julie' es un exacerbado (y a la postre, decepcionante) drama romántico de época, con una presentación preciosista y teatral, que pese al tour de force interpretativo que propone al trío protagonista formado por Jessica Chastain, Colin Farrell y Samantha Morton, no consigue evitar caer en el tedio en algunas fases de sus excesivos 129 minutos. La película propone un trágico triángulo amoroso durante una noche de San Juan, donde un juego de seducción demasiado regado en vino, acabará sacando a la luz la diferencia de clases, los sentimientos ocultos, los anhelos y frustraciones de todos ellos, dejando finalmente espacio tan sólo para un destino fatal. Liv Ullmann, actriz antes que directora, se centra en perfilar a sus personajes e invitar a sus actores a vivir y transmitir una montaña rusa de emociones, dejando algo de lado su puesta en escena, de gran belleza plástica pero demasiado estática como si nos encontrasemos en un espectáculo encima de las tablas donde la palabra predomina a la imagen. Eso sí, hay que reconocer que la fotografía de Mikhail Krichman es exquisita, utilizando una luz muy naturalista consigue extraer gran belleza de los pocos elementos con los que cuenta, especialmente en los pocos exteriores que se muestran y que desahogan los viciados interiores repletos de bajas pasiones. Tampoco resulta demasiado acertada la utilización de la música, donde se abusa de los Piano Tríos de Schubert, repitiendo su partitura hasta la saciedad y creando una sensación en la trama de caminar en un círculo que se repite. En definitiva, un film de gran corrección técnica, con una Jessica Chastain brillante, pero demasiado frío en su ejecución como para removernos las entrañas.
'MARIE HEURTIN (La Historia de Marie Heurtin)' de Jean-Pierre Améris (Francia)
Intérpretes: Isabelle Carré, Ariana Rivoire, Brigitte Catillon, Noémie Churlet, Laure Duthilleul, Gilles Treton, Martine Gautier, Patricia Legrand.
(Sección Oficial)
Sinopsis: Basada en sucesos reales que acontecieron a finales del siglo XIX, la película cuenta la historia de una sordociega de catorce años que no puede comunicarse con el mundo exterior. Desoyendo los consejos de un doctor que dictamina su ingreso en un manicomio al considerar que la muchacha sufre idiocia, su padre, un humilde artesano, la lleva al Instituto de Larnay, cerca de Poitiers, donde las monjas se ocupan de las mujeres sordas. A pesar del escepticismo de la madre superiora, la joven hermana Marguerite tutelará a Marie, haciendo todo lo posible por sacarla del mundo de tinieblas en el que vive.
'Marie Heurtin' es un dramón francés sobre la superación de las limitaciones, pero también sobre la bondad, el sacrificio, el agradecimiento, la incomunicación y la amistad. Sin duda, resultaba una historia de gran complejidad trasladar a la pantalla estos hechos reales donde una monja enseñó a comunicarse a una sordociega que era tratada como enajenada por su comportamiento casi salvaje, sin caer en el telefilm de sobremesa. Su director consigue salir airoso del embrollo, transmitiendo con credibilidad la ingente tarea de la religiosa en su cometido, utilizando unas breves dosis de humor para desatascar el terrible drama que nos presenta. Eso sí, se le va la mano en el metraje de su parte final que parece recrearse en demasía en su exposición del sufrimiento, en una busca desesperada de la emoción en el espectador. Un melodrama más que correcto, con una estupenda Isabelle Carré como cuidadora-profesora, donde las mejores secuencias resultan del detenimiento que el director utiliza en mostrar la dificultad y complejidad de comunciarse con alguien que no puede ni sabe como hacerlo.
'KUZU (El Corderito)' de Kutluğ Ataman (Turquía-Alemania)
Intérpretes: Nesrin Cavadzade, Cahit Gök, Mert Taştan, Sıla Lara Cantürk, Taner Birsel, Nursel Köse,
Erdal Yildiz, Güven Kiraç.
(Sección Oficial)
Sinopsis: Cumpliendo con una tradición rural del Este de Anatolia, Medine tiene que asar un corderito para la fiesta de circuncisión de Mert, su hijo de cinco años. Pobre pero resuelta, Medine moviliza a su familia, a la que pone a cortar leña para pagar al menos una parte de lo que cuesta comprar el animal. A Ismail, el marido de Medine, que está en paro, le preocupa la determinación de su esposa. Por su parte, la hermana mayor de Mert, Vicdan, está celosa de toda la atención que recibe su hermano, por lo que le hace creer que si la familia no consigue el cordero, le sacrificarán a él en su lugar. Mientras tanto, llega al pueblo una cantante y prostituta. El jefe local le consigue a Ismail un trabajo en el matadero, donde sus compañeros le llevan por el mal camino. Su debilidad de carácter hace aún más difícil que la familia consiga adquirir el cordero para la fiesta, aunque esto no amilana a Medine. También Mert tiene ahora sus propias motivaciones para conseguir el animal, y su determinación no es menor que la de su madre. En un momento dado, Medine, que ha llegado a rechazar la ayuda de su abuela, recibirá apoyo y solidaridad de donde menos lo espera…
'Kuzu' es un film turco demasiado naïf que busca reflejar la cotidianidad en el ámbito rural de ese país, donde el peso de las tradiciones y la importancia de las apariencias está por encima de la propia felicidad familiar. La verdad es que la película contiene interesantes reflexiones en su interior, pero quedan ocultas tras la apariencia exterior de un film demasiado amable, con una premisa argumental muy simple, que además utiliza a los niños protagonistas para buscar la complicidad del espectador. La temática del film necesitaba de un tratamiento más duro y oscuro para emocionar, no un uso tan ingenuo de la dramaturgia, para lograr sus objetivos. Tampoco ayuda un final abrupto y confuso que busca esa oscuridad en la tragedia negra para arrepentirse en el último momento y volver al cauce de la amabilidad con un desenlace poco creíble. Un film típico de festivales donde gusta mucho ver el exotismo de otros países y descubrir modos de vida muy distintos al nuestro, pero que cinematográficamente no está a la altura de lo deseado, esquematizando a los personajes (especialmente los masculinos, el personaje del marido es directamente gilipollas y su hijo va por el mismo camino...), en su intento de mostrar la liberación de la mujer y su fortaleza ante las adversidades, siendo los personajes femeninos los únicos interesantes: la niña, la madre y la abuela.
'EN DU ELSKER (Alguien a quien Amar)' de Pernille Fischer Christensen (Dinamarca-Suecia)
Intérpretes: Mikael Persbrandt, Trine Dyrholm, Birgitte Hjort Sørensen, Sofus Rønnov, Eve Best,
Lourdes Faberes, Peter Frödin, Thomas Hwan.
(Sección Oficial)
Sinopsis: Thomas Jacob, un cantautor de fama mundial que ha roto con muchas cosas de su pasado, vive en Los Ángeles. Después de una ausencia de años, regresa a Dinamarca para grabar un nuevo álbum y se reencuentra con la hija de la que se distanció. Ésta le presenta a Noa, su hijo (y nieto de Thomas) de once años. A pesar de no conocer al niño, a Thomas no le queda más remedio que cuidar de él. Poco a poco, la música hará que los dos conecten y Thomas se verá obligado a tomar una decisión que cambiará su vida para siempre.
'En du Elsker' es un drama con muchos puntos de interés, pero que termina decepcionando en sus resultados finales por su gélido tratamiento emocional, pese a tener un buen acabado técnico. Y es que la trama tenía suficientes mimbres como para construir una buena historia, sin embargo, se encalla en un círculo vicioso del que no parece querer salir, resultando finalmente demasiado repetitiva y previsible, infectada por un ritmo muy nórdico (en el mal sentido) que la vuelve algo plomiza. Rock y drogas de la mano, lazos familiares rotos, identidades melancólicas... un cóctel donde lo más atractivo es la banda sonora, con unas estupendas canciones del cantautor protagonista, una suerte de Leonard Cohen nórdico, interpretado de forma convincente por Mikael Persbrandt. Buena sinopsis, buenos personajes, mal desarrollo. Un film que acaba destacando más por los aspectos formales y estéticos que por los que debería hacerlo realmente, los emocionales.
'EN EL ÚLTIMO TRAGO' de Jack Zagha Kababie (México)
Intérpretes: José Carlos Ruiz, Luis Bayardo, Eduardo Manzano, Pedro Weber ‘Chatanuga’,
Columba Domínguez, Pilar Pellicer, Angelina Peláez, Magda Vizcaíno.
(Sección Punto de Encuentro)
Sinopsis: Tres octogenarios emprenden un viaje para cumplir el último deseo de un amigo en común. Durante el trayecto tendrán que salvar los escollos de la ancianidad y la incomprensión de sus familias, pero también vivirán una suerte de situaciones pintorescas y entablarán relación con una serie de personajes que cambiarán sustancialmente su concepción del lugar que ocupan en el mundo: hay vida después de los 80.
'En el último trago' es una comedia mexicana que reivindica el papel de los ancianos en nuestra sociedad y su necesidad de seguir teniendo un papel útil para que sus vidas no se marchiten del todo. La película, a priori, parece una comedia alocada sobre unos viejitos que van a pasar sus últimos días de juerga en juerga, pero finalmente no es exactamente eso, sino una suerte de slow road movie que recuerda en muchos momentos a 'Una Historia Verdadera' (David Lynch, 1999), tanto en el viaje como en el destino. La película tiene una clara idiosincracia mexicana, aunque curiosamente el guionista principal es un dramaturgo catalán llamado David Desola, que ha tenido que empaparse de la cultura de allí para poder trasladarla con éxito en su libreto. El film está protagonizado por un elenco de actores y actrices veteranos, estrellas en su país de origen y más desconocidos por estos lares, los cuales están todos ellos soberbios, ofreciendo una entrañable encarnación de unos personajes con encanto con los que no resulta nada difícil empatizar. Comedia de carretera octogenaria, de lirismo mágico (los muertos que aparecen entre los vivos), logra su cometido de hacerte reír, sin olvidar el hacerte reflexionar sobre el abandono que sufren nuestros mayores, en una sociedad que a menudo los desubica.
'RISSE IM BETON (Grietas en el Hormigón)' de Umut Dag (Austria)
Intérpretes: Murathan Muslu, Alechan Tagaev, Ivan Kriznjak, Shamil Iliskhanov, Daniel Mijatovic,
Magdalena Pawlus, Mehmet Ali Salman, Erdem Türkoglu.
(Sección Oficial)
Sinopsis: Pandillas, drogas, rap sucio, peleas sucias y sexo sucio: éste es el ambiente del barrio vienés al que regresa Ertan tras pasar diez años en la cárcel. Tiene 35 años y ha perdido todo contacto con su mujer e hijos; ni siquiera su hermano quiere saber nada de él, a pesar de que Ertan ha madurado y quiere evitar a toda costa los problemas. El adolescente Mikail está a punto de cometer los mismos errores que llevaron entre rejas a su padre Ertan, a quien no ha conocido hasta la fecha. Mikail piensa que el tráfico de drogas le ayudará a financiar su futura carrera como rapero de éxito, y pasa muchas horas en el centro juvenil donde proyecta grabar su primera maqueta. Para forzar un acercamiento a Mikail, Ertan acepta un empleo en dicho centro. Mientras escucha secretamente los ensayos de su hijo, le invade una sensación de orgullo. Los amigos del expresidiario no entienden qué ha sido del arrojo de quien siempre fue un tipo duro, pero a Ertan solo le interesa ayudar a Mikail a enderezar su vida.
'Risse im beton' es un correcto thriller dramático, pero demasiado convencional y previsible para transcender. El director de origen kurdo Umut Dag nos muestra una cara de Viena poco habitual en el cine, los bajos fondos, donde la delincuencia, los trapicheos y las drogas son la moneda común entre los jóvenes para destacar en el barrio, mientras que el rap es una opción para salir de allí. Aunque es cierto que hemos visto poco a esa Viena, la verdad es que no resulta muy diferente de los barrios bajos de cualquier otra ciudad. De ese modo, el film está plagado de clichés y lugares comunes del thriller gangsteril, convirtiendo el guión en un mero eco de muchos otros films, especialmente norteamericanos, haciendo que el espectador se anticipe a la trama, sabiendo en todo momento lo que va a suceder sin margen para la sorpresa. Dag construye un film sólido y bien ejecutado, pero que no aporta nada nuevo, ni siquiera en su búsqueda del drama paterno-filial.
'THE ANGRIEST MAN IN BROOKLYN (El Hombre más enfadado de Brooklyn)' de Phil Alden Robinson (EEUU)
Intérpretes: Robin Williams, Mila Kunis, Peter Dinklage, Melissa Leo, James Earl Jones,
Hamish Linklater, Sutton Foster, Richard Kind.
(Sección Oficial - Fuera de Concurso)
Sinopsis: Hay quienes de vez en cuando tienen un mal día. A Henry Altmann le sucede a diario. Siempre está insatisfecho y enfadado con el mundo y el conjunto de sus habitantes. Así se presenta en la consulta de su médica, la doctora Sharon Gill, y aguarda con impaciencia a que le toque el turno. Sharon, que tampoco tiene un día glorioso, le comunica que tiene un aneurisma cerebral. La noticia enfurece aún más a Henry, quien, a voz en grito, exige saber cuánto le queda de vida. Ante la cólera y los insultos de su paciente, Sharon le espeta sin contemplaciones que no le quedan más de noventa minutos antes de morir. Enormemente impactado por lo que acaba de oír, Henry abandona precipitadamente la consulta dejando a Sharon estupefacta ante su propia reacción en lo que ha tenido que ser un momento de enajenación transitoria. Mientras Sharon recorre la ciudad en busca de Henry, éste se esfuerza por asimilar su diagnóstico y reconciliarse con aquellas personas a las que ha ofendido en su vida.
'The Angriest Man in Brooklyn' es una comedia flojita y previsible que se ha programado en el Festival fuera de concurso para homenajear a su malogrado protagonista Robin Williams. La película no estará entre sus actuaciones más recordadas, ya que no deja de ser un telefilm de buenas intenciones, correctamente rodado y entretenido, que parte de un punto de partida al que se le podría haber extraído mucha más comicidad, pero tanto los guionistas como el director prefieren adentrarse más en el sentimentalismo y la moralina de la historia. La película, sin embargo, vista una vez conocido el trágico desenlace del actor, es inevitable verla con ojos distintos ya que en su argumento nos encontramos con un hombre desesperado que piensa en suicidarse al no haber sabido disfrutar la vida que tenía. Pone los pelos de punta ver las secuencias en que Williams, con su eterna sonrisa de niño asustado y esa mirada llena de tristeza, recita frases que seguro podrían aplicarse a su vida real, siendo inevitable preguntarse que debería estar pensando realmente el actor mientras las interpretaba. Pero más allá de todo eso, la película es demasiado facilona y neutra como para emocionar, entretiene lo justo, eso sí, contiene una escena cómica absolutamente genial y antológica que hizo llenar de carcajadas el cine, la de la tienda de videocámaras.
'BON RÉTABLISSEMENT! (Unos días para recordar)' de Jean Becker (Francia)
Intérpretes: Gérard Lanvin, Jean-Pierre Darroussin, Frédéric Testot, Swann Arlaud, Daniel Guichard,
Anne-Sophie Lapix, Claudia Tagbo, Philippe Rebbot.
(Sección Oficial - Clausura)
Sinopsis: Después de sufrir un accidente de coche, Pierre debe pasar cuatro semanas de convalecencia forzosa en el hospital. Con amigos y familiares que vienen a verlo, otros pacientes del hospital y el personal médico en su habitación a cualquier hora, Pierre recibe más atención de la deseada. Atrapado en su cama con tiempo para reflexionar sobre sus errores, se da cuenta que su convalecencia le brindará la oportunidad de empezar una nueva vida.
'Bon rétablissement!' es una comedia francesa, excesivamente ligera, que si bien resulta entretenida por sus buenos diálogos, acaba resultando intranscendente y con un desarrollo algo cansino donde se incluyen algunos flashbacks absolutamente innecesarios para su comprensión. Una película sencilla y sin demasiadas pretensiones, a la que la Clausura de la Seminci le viene algo grande, pero que dado su tono amable y simpático se puede llegar a comprender. Un personaje central algo cascarrabias que irá humanizándose durante su obligado contacto con algunos seres variopintos que le visitan en su estancia en el hospital donde debe realizar una rehabilitación, acaba convirtiendo la película en bienintencionada pero demasido naïf, resultanto tan entretenida como olvidable.
'LITTLE FEET (Pies Pequeños)' de Alexandre Rockwell (EEUU)
Intérpretes: Lana Rockwell, Nico Rockwell, Rene Cuante-Bautista, Olinga Bolden, Tussi Bolden,
Benjamin Keepers.
(Sección Oficial)
Sinopsis: La película cuenta la historia de una pareja de niños que vive en Los Ángeles (interpretados por los propios hijos del director, Nico y Lana) y decide que quieren ver ‘el río’ por primera vez, embarcándose por su cuenta en la aventura de encontrarlo. Los momentos de juego silencioso que comparten en el camino se intercalan con las imágenes de la ciudad, que la cámara explora como si fuera la mirada de los jóvenes protagonistas, buscando la magia de un mundo perdido.
'Little Feet' es un experimental familiar pequeño y mínimo, rodado en 16mm y casi íntegramente en blanco y negro, que pese a contener momentos de cierta poesía visual, secuencias de estética indie y algún gag entrañable, no puede ocultar que su premisa argumental es demasiado insignificante como para llenar un largometraje, incluso si como este a penas supera los 60 minutos (aún así se hace largo). Y es que esta personal historia del director Alexandre Rockwell creada a cuatro manos con su propia hija, también protagonista del film, es más un relato privado sobre la aceptación de la muerte y la necesidad de crecer sin la figura materna utilizando la metáfora del pez y el viaje hacia el océano para buscarle compañía, más que una historia que se pueda compartir o identificar con el resto de mortales, pese a que se quiera revestir de cinematografía con un envoltorio formal atractivo y una banda sonora potente como leitmotiv de las peripecias de los niños protagonistas en su viaje hacia la madurez.
'DIPLOMATIE (Diplomacia)' de Volker Schlöndorff (Francia-Alemania)
Intérpretes: André Dussollier, Niels Arestrup, Burghart Klaußner, Robert Stadlober, Charlie Nelson,
Jean-Marc Roulot, Stefan Wilkening, Thomas Arnold.
(Sección Oficial)
Sinopsis: 25 de agosto de 1944. Los aliados entran en París. Poco antes del amanecer, Dietrich von Choltitz, gobernador militar alemán, se prepara para ejecutar las órdenes de Hitler de volar la capital francesa. Sin embargo, París no se destruye. ¿Por qué razones Von Choltitz se niega a llevar a cabo las órdenes del Führer, a pesar de su lealtad sin límites al Tercer Reich? ¿Fue Raoul Nordling, cónsul general sueco de París, quien hizo cambiar de opinión al general?
'Diplomatie' es un drama histórico que busca ocultar su orígen teatral, pero no lo consigue en ningún momento, convirtiéndose en una propuesta fría de texto interesante, pero resultado plomizo. Su director, Volker Schlöndorff, es el respetado autor de la genial fábula antibélica 'El Tambor de Hojalata' (1979), pero ya hace muchos años que sus propuestas no sorprenden como hizo en aquella obra que le valió compatir la Palma de Oro con 'Apocalypse Now' (Francis Ford Coppola, 1979). El relato que nos propone ahora sobre la posible destrucción de París bajo el mandato del Tercer Reich, carece de soluciones visuales imaginativas, quedándose en una traslación académica e innecesaria a la pantalla grande de una obra de teatro, donde lo único que mantiene nuestro interés es el duelo interpretativo entre André Dussollier y Niels Arestrup, casi protagonistas únicos de una historia sin margen para la sorpresa ni la emoción. El cine no es teatro y las adaptaciones necesitan buscar la esencia y dejar de lado la fidelidad del texto, no es este el caso.
'LUCIFER' de Gust Van den Berghe (Bégica-México)
Intérpretes: Gabino Rodríguez, María Toral Acosta, Jerónimo Soto Bravo, Norma Pablo, Sergio Lázaro Cortéz, Juana Bravo Lázaro, Iván Bravo Belmonte, Francisco Bravo Soto.
(Sección Oficial)
Sinopsis: La pobre anciana Lupita no tiene suerte: debe hacerse cargo de sus dos nietos huérfanos, su marido finge ser paralítico y se diría que el sol nunca brilla para ella. Un día, un misterioso hombre cae del cielo afirmando ser Lucifer. Ella lo cuida y cura sus heridas. Él, por su parte, consigue que el jardín de Lupita reverdezca, que su marido vuelva a caminar y que, por fin, el sol brille también para ella. Pero el sacristán desconfía de aquel hombre y, tras diversos sucesos prodigiosos, proclama que el extraño no es otro que el demonio: el maligno que es preciso combatir. Como no pueden matarlo, lo encierran en un cajón y deciden transportarlo hasta la cima del volcán de donde vino. Pero mientras ascienden la montaña el cajón se va volviendo cada vez más pesado, hasta que se les escurre de las manos, se precipita al suelo y empieza a rodar montaña abajo. Choca entonces contra un manzano, pero resulta que Lucifer parece haberse esfumado. ¿Dónde se habrá metido la malvada criatura? ¿Era en verdad el diablo? Todos regresan a casa con más preguntas que respuestas. Tan solo un joven, un actor, parece haber obtenido de Lucifer el fuego que alimentará su corazón…
'Lucifer' ha provocado deserciones masivas del renovado Teatro Carrión. No es de extrañar, se trata de una propuesta radical y casi experimental proyectada íntegramente en formato Tondoscope (donde la pantalla habitualmente rectangular se convierte en un círculo), excepto un plano. Parece que está de moda esto de buscar nuevas dimensiones de pantalla como vimos recientemente en el Festival de San Sebastián, con 'Mommy' (Xavier Dolan, 2014) y 'La Chambre Bleue' (Mathieu Amalric, 2014), la pregunta que hay que hacerse es si se trata de una vía expresiva necesaria o simplemente una pose de autor "moderno". En el caso de 'Lucifer' habrá teorías para todos los gustos, desde que se trata de una joya de arte y ensayo hasta que es una paja mental de su autor, nosotros creemos que se trata de un consciente y desvergonzado acto de pretenciosidad futil que tan sólo busca provocar. Y lo cierto es que la historia daba juego, la eterna dualidad del bien y el mal en los hombres, desde una perspectiva apocalíptica con la llegada de un "intruso destructor" a una comunidad rural de profundas creencias religiosas, con algunas secuencias que nos trajeron a la memoria el 'Post Tenebras Lux' (Carlos Reygadas, 2012), aunque el autor en los créditos finales cita como referencia, entre otros directores, a Roberto Rossellini... La película es un juego malévolo del director (en ocasiones, ininteligible), pero hecho con mucho humor y mala baba, consiguiendo algunas secuencias delirantes dentro de un conjunto imposible que finalmente no va hacia ningún lado (el largo plano final reafirma su absurdidad) y termina convirtiendo el visionado en un suplicio.
'EL ARCA DE NOÉ' de Adán Aliaga y David Valero (España)
Intérpretes: Fran Gomis, Miguel Chillón, Alicia Santonja.
(Sección Oficial)
Sinopsis: Año 2020. Vivimos la mayor crisis global que jamás haya conocido el planeta. Paco y Miguel, dos guardas de seguridad llevan 8 años trabajando en una enorme fábrica cerrada donde nunca han intercambiado palabra, solo los turnos. Un día son despedidos y deciden construir una máquina para viajar a otros mundos.
'El Arca de Noé' es un drama español de corte experimental que nos ha parecido la peor propuesta vista hasta ahora en el Seminci. No deja de ser un ejercicio de onanismo intelectualoide con ínfulas de cine de autor para presentar una historia de personas disfuncionales con la excusa de situarlos en un entorno de crisis económica. Pese a su corta duración, la película se eterniza al no disponer de un discurso claro ni un camino para encontrarlo, sino que se limita a presentar unos personajes que no desarrolla y a improvisar sin guión a la espera de que se aparezcan las musas en el montaje (los propios directores han reconocido trabajar sin un guión definido y que su primer montaje duraba 12 horas y eso que la idea hubiera funcionado para un corto...). Predomina el rodar por rodar, sin rumbo ni justificación, es la era del digital donde resulta igual de caro rodar mucho que poco, buscando la salvación en algunas composiciones de encuadres sugestivos, pero que no dejan de buscar el esteticismo plástico vacío de contenido narrativo y es que no basta con filmar bonito, sino que además conviene tener algo que contar... Pataleo generalizado entre los incautos que hemos madrugado para verla.